Festival Internacional Spondylus América Danza 2018 se celebra en Manta-Ecuador

Festival Internacional Spondylus América Danza 2018

La ciudad de Manta, situada en la provincia de Manabí, Ecuador, de gran interés arqueológico y cultural, ya que cuenta con yacimientos de diversas culturas amerindias, se constitityó en sede principal de la séptima edición del Festival Internacional del Spondylus América Danza 2018, planificado entre el 17 el 21 de julio, comentó e informó la Fundación Torres-Picón.

Este encuentro, organizado por el Ballet Spondylus, convocó alrededor de 90 artistas agrupados en once delegaciones dancísticas en representación de Colombia, Argentina, Perú, México, Chile y Ecuador, país anfitrión.

Según informó Jessy Sánchez, titular del ballet Spondylus, además de la ciudad de Manta, el evento también materializó representaciones en otras ciudades manabitas: Portoviejo, Santa Ana, Chone, Bahía de Caráquez y Jipijapa.

Señaló Sánchez que uno de los objetivos primordiales ha sido la promoción y difusión de los valores folclóricos y culturales contemporáneos de los países de América Latina. “Con talleres, espectáculos, foros y conferencias, donde destaca no solo la identidad local y regional sino la universal, llevando el arte de la danza a los diferentes cantones de la provincia de Manabí”, agregó.

Las delegaciones invitadas al festival han sido, por Colombia, el grupo de danza Xpresiones de la Universidad Católica de Cali; por México, el grupo de danza folclórica Méxican Yaotl Thahui Kuatli; por Argentina, el grupo folklórico Sumaj; por Perú, la academia de marinera y tondero Lambayecano; por Chile, el conjunto de proyección folclórica La Herradura, y por Ecuador, la compañía de danzas costeñas Retrovador de Guayas, el Ballet Folclórico Ñuka Llakta de Loja, los grupos locales Antara, Ceibadanza, Aisha, y la Escuela Municipal de Danza de Manta.

El público se benefició de entradas gratuitas para todos los eventos, algunos de los cuales se representaron al aire libre.

Desde la Fundación Torres-Picón se divulgaron los detalles de la cita dancística, su directivo y vocero, Pedro J. Torres, recalcó los beneficios de la danza –más allá del arte y la cultura- como disciplina que facilita la integración o cooperación entre nacionalidades, pueblos y comunidades, así como estimula el desarrollo integral de las personas y la conservación de la salud a cualquier edad.

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En el Metropolitano de Medellín se presentó GECA, una orquesta multifacética

Metropolitano de Medellin

Como parte de una gira artística en la que ha recorrido escenarios de América y Asia, el pasado viernes 29 de junio hizo su debut en Medellín, Colombia, la orquesta suiza Geneva Camerata, GECA, con el Concierto N° 4 Bancolombia Temporada Internacional de Música Clásica Medellín Cultural, que se celebró en el Teatro Metropolitano de esta ciudad colombiana, informa la Fundación Torres-Picón. Ciertamente, GECA es algo más que una orquesta de música clásica tradicional, entre su repertorio se encuentra música de diferentes épocas y distintos estilos, igualmente tocan música clásica y contemporánea, como jazz, electrónica, rock y world music, y va más allá aún: en sus presentaciones también pueden incluir danza, teatro, artes visuales y hasta circo, por lo que se describe, más que como una agrupación musical, como “un proyecto multidisciplinario ecléctico”.

Con una amplia trayectoria en su haber, GECA se ha presentado en los más importantes escenarios del mundo, entre ellos el Elbphilharmonie de Hamburgo, el Théâtre du Châtelet en París y Kings Place en Londres.

En esta presentación, la primera en Medellín, tuvieron una participación destacada los solistas Pieter Wispelwey, chelista, y Damien Darioli, percusionista, quienes interpretaron los conciertos La pregunta sin contestar 6’, de Charles Ives, y el Concierto para violonchelo Nº 1 en Do mayor de Joseph Haydn.

Otras piezas incluidas en el programa que GECA trajo para esta oportunidad fueron la Sinfonía Nº 40 en Sol menor K550, de Mozart, y el estreno de Múevete Janus, del compositor salvadoreño Arturo Corrales, quien describe a esta obra como “un baile decidido e informal, basado en estándares musicales latinoamericanos, como el palito o el martillo. Casi nunca se escuchan en su forma original, pero el trabajo sobre estos motivos le da a la música una fuerza y un ‘sabor’ que nos invita a mover los pies”.

Pedro J Torres and Wife Blanca

Pedro J Torres and Wife Blanca Cecilia

Al hablar sobre su debut en Medellin, el director de GECA, David Greilsammer, expresó: “La Geneva Camerata presenta siempre programas únicos, originales y eclécticos en sus conciertos. Ya que este es nuestro primer concierto en Medellín, es muy importante para nosotros proponerle a la audiencia un programa muy especial, sorpresivo y singular con piezas de períodos y estilos variados… La Geneva Camerata se enorgullece de ser parte de este nuevo movimiento que presenta la música clásica de forma diferente, colaborando con numerosos artistas maravillosos que provienen de tantos horizontes artísticos diferentes”.

Luego de este concierto, la agrupación continuará recorriendo escenarios en una gira que los llevará a debutar, en enero del próximo año, en el mundialmente famoso Théâtre des Champs-Élysées de París

GECA e innovación, bien pueden ser sinónimo en el ambiente de las artes y la cultura. Para Pedro J. Torres, presidente y vocero de la Fundación Torres-Picón, la idea de agregar danza, teatro, artes visuales y hasta circo a la música, en efecto la convierte, más allá de ser una agrupación musical, en el “proyecto multidisciplinario ecléctico” del que se sienten orgullosos. “Va para ellos nuestro reconocimiento y aplauso” expresó Torres.

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El Ballet Estable del Teatro Colón, en Buenos Aires, Argentina, inició su temporada 2018 con Coppelia

El Ballet Estable del Teatro Colón

Bajo la dirección de Paloma Herrera y acompañado por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires con la batuta de Martin West, el Ballet Estable del Teatro Colón, en Buenos Aires, Argentina, dio inicio a la temporada 2018, con uno de los clásicos inmortales del arte de la danza, se trata del ballet Coppelia, el cual fue puesto en escena en siete funciones completas, más una adaptada especialmente para el público infantil, en el marco del ciclo “Colón en Familia”; esta adaptación, de una hora de duración, suprime el segundo acto de la pieza, el cual es recuperado mediante la actuación de un narrador, comenta la Fundación Torres-Picón.

Basado en el cuento El hombre de arena, del escritor y compositor alemán Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, el mismo autor de El Cascanueces, Coppelia es un ballet de corte sentimental y cómico a la vez, una de las principales obras de la danza clásica; narra la historia del romance entre dos campesinos, Swanilda y Franz, quienes viven en la misma aldea que un misterioso hombre de gris, el juguetero Coppelius, el cual se dedica a fabricar muñecas de tamaño natural. Un día, Franz ve a una bella joven leyendo en la ventana de la casa de Coppelius y, creyendo que es la hija del juguetero, se siente atraído hacia ella; Swanilda, que lo ve todo, se enfurece.

Esa noche, Swanilda entra a la sombría casa de Coppelius y, luego de curiosear por todos lados, encuentra a Coppelia, la muñeca favorita de su creador, la esconde y toma su lugar. Por su parte, Franz también entra a la casa, buscando a la joven de la ventana; al llegar Coppelius, atrapa a Franz y trata de hacer un hechizo para pasar vida del campesino a Coppelia; Swanilda finge cobrar vida y movimiento, Coppelius ve con asombro cómo su sueño se hace realidad pero Swanilda, luego de un rato, le revela la verdad al juguetero y éste, desilusionado, cae inconsciente, y despierta sólo para encontrar su muñeca rota, y para ver cómo Swanilda y Franz huyen de la casa.

La historia termina con la boda de Swanilda y Franz en la plaza del pueblo, a la cual acude Coppelius con ánimo de reclamo pero finalmente, al ser resarcido de sus pérdidas, perdona a la joven pareja y todo acaba en fiesta.

Originalmente, Coppelia fue estrenada el 25 de mayo del 1870 en la Ópera de París, con música de Léo Delibes, libreto de Charles Nuitter y la coreografía de Arthur Saint-Leon, quien lamentablemente falleció poco después del estreno. Al año siguiente fue estrenada en San Petersburgo, Rusia, con una versión de Marius Petipa sobre el original de Saint-Leon; diez años más tarde Petipa hizo su propia coreografía; finalmente, en 1968 el cubano Enrique Martínez realizó la más reciente revisión, vigente hasta ahora, de esta emblemática obra, y es precisamente ésta la que ha sido ofrecida al público en el Teatro Colón, apuntó Pedro J. Torres, portavoz y directivo de la Fundación Torres-Picón.

 

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Ballet Nacional de España inauguró el LXIV Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con Electra

Ballet Nacional de Espana

Mérida, antigua ciudad romana, hoy capital de la comunidad autónoma de Extremadura en España, es también la capital de la cultura grecolatina, con la celebración del LXIV Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, el cual dio inicio el pasado 29 de junio y se estará llevando a cabo hasta el próximo 26 de agosto, informa la Fundación Torres-Picón.

El festival enfocado principalmente en el teatro clásico, fue inaugurado con la tragedia griega Electra, de Sófocles, uno de los tres grandes dramaturgos de la antigua Atenas, la cual fue escrita entre el 430 y el 415 a.C., y ha sido magistralmente llevada a la escena en el Teatro Romano de Mérida, los días viernes 29 y sábado 30 de junio y el domingo 1º de julio, por el Ballet Nacional de España (BNE), el cual arriba este año a su cuadragésimo aniversario.

La versión de Electra que el público meritense pudo disfrutar, y que fue originalmente estrenada en diciembre del pasado año 2017 en el Teatro de la Zarzuela, es una pieza vanguardista que recrea el mito de la tragedia griega y lo traslada a la España rural y profunda del siglo XX, dándole a la historia “una magia única”, tal como expresó Jesús Cimarro, director del Festival.

La obra es una adaptación del dramaturgo Alberto Conejero, con la coreografía y la dirección de Antonio Ruz y con el acompañamiento musical de la Orquesta de Extremadura (OEX), dirigida por Manuel Coves como director invitado, y la participación de músicos flamencos del BNE.

Este montaje “ahonda en los diferentes lenguajes de la danza, a través de una tragedia clásica con una visión original y contemporánea, inspirada en el imaginario popular”, explicó Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, quien destacó que Antonio Ruz en la dirección de la obra “ha conseguido que los bailarines experimenten lo que es ser un instrumento actoral”, logrando así un “gran resultado escénico”.

En esta oportunidad la bailarina Inmaculada Salomón dio vida a Electra y el bailarín Sergio Bernal encarnó a Orestes, acompañados por la voz potente e inimitable de la cantaora Sandra Carrasco en el papel del corifeo, “una artista con una voz increíble y una intérprete sin la que la obra no tendría sentido”, expresó el director Antonio Ruz, quien añadió que la perspectiva vanguardista desde la que se aborda la tragedia griega convierte a la obra en “una experiencia humana y sensorial en la que movimiento, espacio, luz, música y voz forman parte de un todo”.

A lo largo de los venideros dos meses, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida desarrollará un extenso programa de actividades que se estarán llevando a cabo tanto en la ciudad como en otras localidades de Extremadura; de esta manera se presentarán montajes como Esquilo, nacimiento y muerte de la tragedia, de la Compañía de Rafael Álvarez “El Brujo”; Nerón, un drama de Eduardo Galán basado en el Quo vadis?, del historiador y novelista polaco Henryk Sienkiewicz; Fedra, de Paco Becerra o Las amazonas, de Magüi Mira, basada en la tragedia del dramaturgo alemán Heinrich von Kleist Pentesilea.

Desde la Fundación Torres-Picón (FTP) aplaudimos la iniciativa y reconocemos su elevado nivel de ejecución; se trata de un excelente festival y de obras de renombre clásico, remozadas con gran creatividad, apuntó Pedro J. Torres, presidente y portavoz de la institución cultural y de desarrollo social.

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Extraordinario programa de conciertos ofrece la Orquesta de València para celebrar sus 75 años

Orquesta de ValenciaEl 30 de mayo de 1943 se celebró en el Teatro Principal de València, España, el primer concierto de la Orquesta de València, bajo la batuta de su primer director, Joan Lamotte de Grignon; son tres cuartos de siglo de música sinfónica, de cultura, de arte, y para celebrar este significativo aniversario la agrupación ha preparado un programa especial de conciertos y actividades culturales, que incluyen al director venezolano Domingo Hindoyan; nos comparte y comenta la Fundación Torres-Picón.

Como preámbulo de las festividades, el pasado jueves 26 de abril, en el Palau de la Música, sede de la Orquesta de València, ofreció un concierto la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, dirigida por el distinguido maestro Leopold Hager; fue ésta una visita relevante, ya que es la primera que realiza el Mozarteum al Palau en treinta años, casi desde la inauguración del auditorio en 1987.

En este concierto, la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo ofreció un exquisito programa compuesto por las obras Exsultate, jubilate. Motete para soprano, KV 165 (158a) y la Misa de la coronación en do mayor, KV 317, ambas de Wolfgang Amadeus Mozart, con el acompañamiento vocal del Coro León de Oro, así como con la soprano Claire de Sévigné, la mezzosoprano Valentina Stadler, el tenor Maciej Kwasnikowski y el bajo George Humphreys; y para cerrar con broche de oro obsequiaron a los asistentes con la Sinfonía nº 2 de Ludwig van Beethoven.

La programación conmemorativa del aniversario de la Orquesta de València dio inicio el pasado viernes 27 de abril con un concierto dirigido por el maestro israelí Yaron Traub, quien fuera su director titular hasta enero de este año; en este concierto, la Orquesta interpretó la pieza Schelomo. Rapsodia hebrea para violonchelo y orquesta, con la participación como solista del violonchelista de la agrupación, Iván Balaguer. Para cerrar el recital la Orquesta interpretó la Sinfonía nº 6 “Trágica” de Gustav Mahler.

Dentro del marco de esta celebración se inscriben también los recitales que se celebrarán, uno dirigido también por el maestro Yaron Traub, con el Concierto para piano nº 21 de Wolfgang Amadeus Mozart, con la participación especial de la concertista Elena Bashkirova, y la Sinfonía nº 9 de Anton Bruckner, y otro a llevarse a cabo bajo la dirección del venezolano Domingo Hindoyan, con un repertorio compuesto por la obertura Ruslan y Ludmilla de Mikhail Glinkja, el Concierto para violonchelo de William Walton y la Sinfonía nº 1 de Johannes Brahms.

La Orquesta de València tiene programado el cierre de la celebración de su 75º aniversario con un concierto dirigido por su titular, el maestro Ramón Tebar, en el cual se escucharán las piezas En busca del más allá, de Joaquín Rodrigo; Flos Campi, de Ralph Vaughan Williams, en el cual participará el solista de viola Santiago Cantó, y la grandiosa suite orquestal Los planetas, del compositor británico Gustav Holst.

Así lo informó Pedro J. Torres, presidente y vocero de la Fundación Torres-Picón, quien saludó estos “tres cuartos de siglo de música sinfónica con la formidable Orquesta de València”.  

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Éxito total de la nueva versión de “El Lago de los Cisnes” estrenada por el Royal Ballet de Londres

Royal Ballet de LondresEl pasado 17 de mayo se estrenó en el teatro Royal Opera House de Londres una nueva versión del consagrado ballet clásico El Lago de los Cisnes, con una magistral puesta en escena creada por el joven coreógrafo Liam Scarlett e interpretado por el Royal Ballet, con la participación protagónica de la bailarina argentina Marianela Núñez en el papel de Odile y el ruso Vadim Muntagirov como el Príncipe Sigfrido. Informó y comentó la Fundación Torres-Picón.

Esta nueva versión, que fue recibida por el público con grandes ovaciones y un clamoroso aplauso que duró casi quince minutos, es la primera que se realiza en esta compañía en treinta años, desde el estreno del montaje realizado por quien fuera primer bailarín de la compañía, Anthony Dowell; esta nueva versión surge justo cuando Kevin O’Hare, director del Royal Ballet, había llegado al convencimiento de que esta pieza, una obra icónica de Tchaikovsky, Petipa e Ivanov, “debía ser revisada y actualizada, resolviendo ciertas inconsistencias del montaje y adaptándose a lo que esperan las nuevas audiencias”.

Pedro J. Torres, with former Mexican President Felipe Calderón, both in favor of culture for healthy life

Pedro J. Torres, with former Mexican President Felipe Calderón, both in favor of culture for healthy life

Es así como este nuevo Lago de los Cisnes no sólo contó con figuras de primer orden en la escena del ballet mundial sino que, además de la excelente coreografía de Scarlett, también sumó un magnífico vestuario y una escenografía espectacular. En efecto, la historia que originalmente se desarrollaba en un momento impreciso del medioevo, en la versión de Scarlett transcurre a finales del siglo XIX, en tiempos previos a la Primera Guerra Mundial y, en consecuencia, el vestuario de los bailarines corresponde a ese periodo, con uniformes prusianos los hombres y vestidos de colores claros las damas, con los espectaculares diseños de John MacFarlane, y todo enmarcado en un ambiente que recuerda al Imperio Austro-húngaro.

Asimismo, grandes aplausos arrancó la señorial escenografía del salón del palacio donde se celebra el baile en el que el Príncipe Sigfrido debe escoger a la que será su esposa. No es de extrañar entonces que esta nueva producción esté llamada a convertirse en una de las piezas más célebres del Royal Ballet de Londres, destinada a permanecer por muchos años en su repertorio y que sea programada en forma bianual, como lo marca la tradición de la compañía, y que además sea la más costosa del Royal Ballet en varias décadas.

Expresó Scarlett, quien aún no alcanza los 32 años, que su propósito con esta coreografía no era el de “reinventar” El Lago de los Cisnes, un clásico inmortal, sino rendir homenaje a la historia de este ballet en el teatro Royal Opera House y a la producción original creada por Petipa e Ivanov y estrenada en el Mariinsky de San Petersburgo, en 1895, de la cual derivan todas las producciones que de esta obra se han realizado en el mundo desde entonces; en tal sentido restauró las partes de la partitura original de Tchaikovsky, omitidas en otros montajes, trabajó especialmente el vals y las danzas de carácter del primer acto, a excepción de la Danza Napolitana, la cual quedó tal como la creó el mítico coreógrafo británico Sir Frederick Ashton; reestructuró el cuarto acto, añadiendo un paso a dos, y le dio más profundidad a los personajes, en especial al Príncipe Sigfrido y al malvado hechicero Von Rothbart.

El Royal Opera House, conocido también como el teatro Covent Garden, es la sede del Royal Ballet y de la Royal Opera, los cuales se alternan en el uso de sus instalaciones, explicó Pedro J. Torres, de la Fundación Torres-Picón, que promueve informativamente la danza clásica y la música de este mismo género.

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Danza en el Mercat de les Flors en Barcelona ofrecieron las compañías Mal Pelo y Rosas

BarcelonaDos fines de semana, dos propuestas originales de danza en las que se conjugaron el movimiento de los cuerpos y la expresión de la espiritualidad, tuvo lugar desde el 4 al 6 de mayo y luego entre el 10 y el 13 del mismo mes. El Mercat de les Flors en Barcelona, España, sirvió de escenario para la presentación de Pep Ramis y la compañía de danza Mal Pelo, y de la compañía de danza Rosas; compartió y comentó la Fundación Torres-Picón.

Durante los dos fines de semana, Pep Ramis y la compañía Mal Pelo estuvieron presentando su nueva versión del solo The mountain, the truth and the Paradise, un espectáculo desarrollado a través del diálogo y la danza improvisada.

Al mismo tiempo, hasta el 6 de mayo Salva Sanchís y Anne Teresa de Keersmaeker, directora de la compañía Rosas, ofrecieron al público una reedición de la obra A love supreme, pieza magistral del músico de jazz estadounidense John Coltrane, convertida en cuarteto de baile en el cual la expresión se desarrolla a través de la composición y el baile libre.

La puesta en escena de The mountain, the truth and the Paradise, una pieza estrenada en otros escenarios y teatros desde el año pasado, vino cargada de nuevos conceptos interpretativos, como resultado de la necesidad de Pep Ramis de explorar nuevas vías de expresión. “Esta vez, quería trabajar con ciertos iconos”, señala el artista; es así como en esta oportunidad se pusieron en juego tres aspectos místicos enmarcados en un escenario oscuro y plano que representa la montaña “como un lugar al que subes para estar más cerca, o lejos, de algo; la realidad desde la visión de un niño; y el paraíso como un lugar espiritual”.

Este montaje no estuvo exento de humor; según expresa Pep Ramis, ya que el humor “es el mejor soporte para hablar de ciertas cosas, como la belleza y la banalidad, o la ignorancia y la espiritualidad”.

Asimismo esta obra, dirigida por María Muñoz, codirectora de Mal Pelo, y Jordi Casanovas, refleja una dualidad expresada en el escenario blanco y vacío a través de la cual se mueve el intérprete, al compás de la música en vivo de Fanny Thollot.

Por su parte, A love supreme, del coreógrafo catalán Salva Sanchis y Anne Teresa de Keersmaeker, es también una expresión sensible e intensa en la que los cuatro bailarines se corresponden con los cuatro instrumentos con los que Coltrane escribió esta pieza fundamental del jazz. La obra refleja el proceso de creación en dos momentos clave, el momento en que se sigue una coreografía y el momento en el que se abre paso a la improvisación.

“Cuando los músicos – en directo – pasan a improvisar la partitura, los bailarines hacen lo mismo en distintos solos”, explicó Sanchis.

Lo reflejado en los medios de comunicación social denotó una gran creatividad y destreza profesional por parte de los artistas participantes, que fueron gratificadas con intensos y extensos aplausos, prácticamente una ovación en el lugar, expreso Pedro J. Torres, en nombre de la Fundación Torres-Picón.

Comunicaciones/FTP

Ciudad de México acogió por primera vez al Ballet Selecto de Francia

Ballet Selecto de FranciaUna visita muy especial recibió la Ciudad de México los días sábado 9 y domingo 10 de junio, con la llegada al Gran Teatro Moliére del Ballet Selecto de Francia, un espectáculo que reunió en un mismo escenario a lo mejor del ballet francés; informó y comentó la  Fundación Torres-Picón.

Cabe recordar que, si bien los primeros pasos de este arte se dieron durante el Renacimiento en Italia, fue en Francia donde se produjo su mayor desarrollo, bajo el reinado de Luis XIV, el Rey Sol, y desde donde se inició su expansión a Europa y al resto del mundo; de hecho, fue allí donde el arte comenzó a profesionalizarse; fue en Francia donde recibió el nombre de ballet, y tradicionalmente todo el vocabulario técnico de la danza está en idioma francés. Aunque es innegable la sumatoria realizada a la especialidad por las escuelas, artistas y compañías de ballet de Rusia. La técnica de baile, el arte de la coreografía y la música de ballet se han construido con grandes aportaciones rusas. 

Pero volviendo al tema original, el Ballet Selecto constituye una propuesta original de ballet neoclásico en la cual se fusiona la más exquisita técnica del ballet clásico tradicional con las novedosas tendencias del ballet contemporáneo. Se trata de una compañía internacional, integrada por veinte artistas y creativos, y dirigida por François Maudit; con diez años de trayectoria, la compañía goza de gran reconocimiento por su elegante estética, su disciplina y su gran cuidado de la técnica. Habiendo ya realizado diversas giras artísticas en todo el continente europeo, esta reciente visita a la capital mexicana constituye la primera que realiza para presentarse en un escenario del continente americano.

El programa presentado en esta oportunidad estuvo conformado por un repertorio de obras emblemáticas, intervenidas con coreografías de Maudit; algunas de las piezas de las que el público tuvo oportunidad de disfrutar fueron Sansón y Dalila, Madame Bovary, Chaikovski Concerto, Quant on a que l’amour y Bolero, además de un Homenaje a Petipa.

Angélica del Rey, vocera en México del Ballet Selecto, explicó que “se trata de la representación de las principales obras, las más reconocidas y queridas por el público, en una nueva propuesta. La idea es generar un acercamiento mucho más entendido entre la gente y los autores de esas piezas, a través del conjunto de artistas que da vida al espectáculo”.

Durante toda la presentación hubo varios cambios de vestuario y se utilizaron diversas ambientaciones, además de efectos de iluminación; pero en palabras de Angélica del Rey, “el cuerpo humano, la expresión corporal, es, sin embargo, donde se encuentra el mayor potencial visual para el público; eso quiere decir que lo que admira el público no se ve ‘contaminado’ con telones o escenografías saturadas”.

Una de las claves del éxito de esta compañía no es secreto en lo absoluto: se trata de un equipo de trabajo bien integrado donde son primordiales la comunicación y la noción del trabajo en grupo; de esta manera no hay “divismos” ni lucimientos individuales, explicó del Rey.

Pedro J. Torres, de la Fundación Torres-Picón, reconoció en México un espacio formidable donde la cultura y las artes clásicas se vienen desarrollando y multiplicando en sintonía e interacción con su sociedad, más allá de ser un gran escenario para estos eventos.

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Ballet Nacional Chileno estrenó “Giselle, contrapunto y revisita”, una versión de Mathieu Guilhaumon

Ballet Nacional ChilenoGiselle es una joven, bella e ingenua campesina que se enamora de un joven noble, el conde Albrecht, quien está comprometido en matrimonio, pero para conquistarla finge ser un campesino y no le dice a ella de su compromiso. Alertada por Hilarión, que la ama profundamente, y al descubrir la traición, Giselle cae en la desesperación y la locura, y muere en brazos de su amado. Pero la historia de Giselle trasciende al más allá. En el bosque, junto a su tumba, el fantasma de la joven se une a las Willis, un grupo de espíritus vengativos que llevan hasta la tumba a los hombres infieles para matarlos. Sólo Giselle podrá evitar que las Willis cobren venganza en Albretch.

Tal es la historia de Giselle, un clásico del ballet universal, creado durante el Romanticismo por Jules Perrot y Jean Coralli, con libreto de Théophile Gautier y Vernoy de Saint-Georges, basado en una obra de Heinrich Heine De l’Allemagne y con música de Adolphe Adam; la versión original de esta obra fue estrenada en 1841 en la Ópera de París; informa la Fundación Torres-Picón.

Giselle, contrapunto y revisita es una versión contemporánea de Mathieu Guilhaumon, coreógrafo y director del Ballet Nacional Chileno (BANCH), estrenada el pasado 21 de abril en el Teatro Universidad de Chile, con el acompañamiento musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, bajo la dirección del maestro Francois López-Ferrer.

Giselle, contrapunto y revisita conserva la estructura original de la obra en dos partes y la historia de amor, traición y venganza de Giselle, trasladadas a un entorno contemporáneo con nuevos elementos, como nuevos movimientos, así como variaciones en la escenografía y en el vestuario.

Mathieu Guilhaumon, creador de esta versión contemporánea de un clásico del ballet, expresó: “Creo que es interesante hacer nueva propuesta para el público, porque cuando veo un ballet clásico hoy en día siempre me cuestiono qué significa esa obra después de tantos años de su creación”. En cuanto a la música de la obra, indicó Mathieu Guilhaumon: “Es una música muy narrativa, es un elemento que no podemos olvidar, pues se compuso específicamente para el ballet original”.

Pedro Torres and Jane Fonda

In all of America, as in other continents, there are good initiatives and commitment to culture, arts and health promotion, but we must persist, says Pedro J. Torres

Por su parte, Millaray Lobos, prestigiosa actriz e investigadora teatral chilena, quien colaboró de cerca con Guilhaumon para la creación de este montaje, expresó: “La pregunta que uno se hace es cómo salvaguardar la particularidad de algo y traducirlo de manera que nos permita darle una nueva vida, pero sin matar lo que antes estaba ahí”.

Asimismo, Vanessa Turelli, bailarina que da vida a Giselle, aseguró: “Es un desafío muy grande generar una nueva versión, algo diferente, con nuevas ideas. El personaje pasa por estados muy diferentes durante toda la obra, desde la más inocente dulzura hasta una locura muy personal”.

Esta información fue compartida por la Fundación Torres-Picón, en declaración de su portavoz y directivo Pedro J. Torres, como una contribución a la divulgación global de las actividades de danza  y música clásica que se llevan a cabo en todos los continentes.

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Arriba a su quinta edición el Festival Internacional de Música Marvão

Festival Internacional de Musica MarvaoUbicada en la región portuguesa del Alentejo, junto a la frontera con España, Marvão es una pequeña villa del Distrito de Portalegre con poco más de 3.700 habitantes, debe su nombre al árabe Abd al-Rahman , “el hijo del gallego” o “el gallego”, pues así se denominaba a los cristianos del norte de la Península en esa época, quien fue un señor hispanomusulmán que dominó el Guadiana Bajo y Medio, y el sur del actual Portugal, en la segunda mitad del siglo IX. Esta bella localidad, de paisajes pintorescos y origen árabe, será la sede del Festival Internacional de Música Marvão, el cual arribará a su 5ª edición entre el 20 y el 29 de julio próximo; señala Pedro J. Torres, vocero y presidente de la Fundación Torres-Picón.

Así lo informaron Vitor Silva, presidente de la Agencia de Promoción de Turismo de Alentejo, y el maestro Christoph Poppen, director artístico del Festival, en un encuentro que se llevó a cabo el pasado jueves 19 d abril en La Quinta de Mahler, en Madrid, a fin de anunciar este evento al público español amante de la música clásica.

Durante este encuentro los presentes pudieron disfrutar de la actuación de la agrupación musical Cuarteto Debussy, la cual interpretó el Segundo movimiento del Cuarteto de cuerda de Debussy y dos movimientos del Cuarteto Káiser del compositor austriaco Joseph Haydn.

El Festival Internacional de Música Marvão fue creado con el propósito de fomentar la amistad y la cooperación entre naciones de todos los continentes, particularmente de los países del Lejano Oriente, en especial de China, motivo por el cual a lo largo de su breve historia se ha consolidado como uno de los mejores festivales de verano de música clásica en la región europea.

Pero este evento no procura atraer solamente a los amantes de la música clásica, también apuesta a otros tipos de audiencia, por lo que incluye en su programación conciertos de diferentes géneros, pensados especialmente para las familias y las nuevas generaciones, a fin de contribuir a la educación musical de los jóvenes y niños.

Una oferta cultural que se enmarca en la tradicional hospitalidad y don de gentes de esta histórica región portuguesa que espera ansiosa para ofrecer a sus huéspedes un encuentro musical inolvidable, bien acompañado por los tradicionales vinos y productos de la región.

Difunde y comenta la Fundación Torres-Picón al compartir esta nota.

GF/FTP